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[国产日产高清欧美在线视频]深泽直人室内设计作品(深泽直人包装设计作品)

大家好今天来介绍的问题,国产日产高清欧美在线视频,以下是小编对此问题的归纳整理,来看看吧。

「丙申年最佳原创设计」包袋篇

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「丙申年最佳原创设计」包袋篇

前言

丙申年是“尤物”经历的第一个完整农历年,临近年末,我们也不能免俗去做一些盘点。

一年来,总计在“尤物”上架的作品达到了3344这个数字。当我们仔细翻了一圈这三千多件设计师作品与品牌商品,忽然发现如果面面俱到细分每个类别,可能得一张A4纸才能列下——从男女装到背包鞋袜;从贵金属首饰到原创陶瓷弹珠配饰;从传统茶园茶叶到创意巧克力茶球;从室内装饰画到实木家具……套用一句俗气的广告词:“只有想不到,没有找不到”。

因此,我们决定将年终盘点——「丙申年最佳原创设计」按类别分为四期,每一期挑选十件作品。虽然可能略显“以偏概全”,但每件作品都是百里挑一的精品。


Léo et Violette 小挎包

设计师:未浩、嘉雯 品牌:Maison Bobo

拼接在包袋设计中永远不会过时,这只来自那不勒斯生产的挎包,选用全粒面牛皮作为包体,一块同色麂皮作为封口,时髦又不至于太过出挑。

The Triangles 手包

设计师:Emily Yang 品牌:OFFGRID

除了材质的拼接,颜色的对撞也是今年一大主旋律。整个手包被两个三角形分割开,一边是暗沉的灰色牛皮,一边是明度较高的蓝色绒面,看上去是极简主义,其实深藏细腻。

蒙马特城市安全防盗背包

设计师:Thomas Droze & Kaifeng Duan

蒙马特城市安全防盗背包,可能是2016下半年卖得最热的几只背包之一。防盗、减重、便捷口袋、内置充电线……这只背包把设计师的作用,在生活实际方面发挥到了极致。

少女革命系列 带毛款黑白圆柱包

设计师:Mao & 裘诺 品牌:北山制包所KITAYAMA

这可能是元素最多的一只背包:造型上有风吕敷结和绳缚结的模样,材质上用了开边珠头层牛皮作外皮,羊皮纹超纤作内里,山羊毛作毛套,纯铜与亚克力珍珠链条。

零钱包

设计师:赵欣 品牌:REBYXINZHAO

以俄国先锋派大师Kasimir Malevich的至上主义为设计原型,REBYXINZHAO1.0系列包袋,以最基本的平面几何,表达了纯粹的情感。零钱包实验性地覆以透明pvc涂层,增加了它的防水性及耐牢度,并使用环保超纤革作为小面积色块,以增加材质对比和丰富性。

牛皮剑桥包

设计师:William 品牌:匠线 Line Artisanal

传统英伦学院风设计,整个包身用植鞣皮制成,随着时间的沉淀,皮质和色泽会产生奇幻的变化。背带可以任意装卸,使背包能够作后背、斜挎和手提三种使用方式。

日本SIWA纸和短款钱包

设计师:深泽直人

MUJI设计师深泽直人作品,千年历史的日本和纸,揉合现代工艺,诞生了一种不怕水的材质——纸和。钱包带有纸张的质感与奇妙褶皱,也有皮革一般柔韧的特性。

植鞣牛皮医生包

设计师:崔越岑、刘绮君 品牌:栗子先生

以上个世纪穿梭于城乡之间的医生挎包为设计灵感,大容量满足日常使用。两个颜色均采用植物染色工艺,配合植鞣皮,使用过程中产生的痕迹,令其显得更加复古。

格纹手包

设计师:李冠娇 品牌:本初子午

传统女子手拎袋,锁扣采用金属架设计。隔层加厚棉布,手感极佳。植物印染加上极细格纹设计,让红黄色也显得不那么俗气。

Clutch bag 手拿包

设计师:周忠亮Joe 品牌:Ausmates

设计师身处澳洲,于是以当地动物为型,做了一系列手拿包,这是其中的蓝企鹅款。手拿包外表采用优质拉帕纹皮革,以几何图形为主,加厚的绒布内里可以更好的保护包内所容纳物品。


皮具与包袋设计作品,在“尤物”占据着不小的份额,设计师遍布全球——从法国、德国到南半球的澳洲,各种不同的艺术风格也在“尤物”发生碰撞。都说“包”治百病,不知道以上十款包包,哪些和你胃口?

深泽直人以及他的作品

深泽直人 深泽直人 Naoto Fukasawa
1956年出生于日本山梨县 。
1980年毕业于多摩艺术大学的产品设计系艺术与3D设计专业。
1988 年, 深泽直人在日本爱普生精工株式会社担任设计师。
1989 年, 他离开日本到了美国。
在旧金山,他加入了一个只有15个人的小办公室“ID two”,即“IDEO”前身, 现在已有450名员工,遍及帕洛阿尔托、波士顿、芝加哥、伦敦和慕尼黑。
八年以后深泽直人返回故乡。
1997 年, 他协助组建了“IDEO”在日本分部,八位设计师主要针对日本市场服务。他在其中工作到2002年12月。
2003 年1月他在东京建立了“深泽直人设计公司”,加入了日本“MUJI”公司的顾问委员会 。
2003 年12月他与“takara takara”有限公司和钻石出版有限公司合作,在家用电器和日用杂物设计领域里,创立了一个新产品品牌“±0”。
作为这个崭新领域中的领导者,现在,他逐步开展他的想法。“±0”设计与生产家用产品,从雨伞到电器。最初的范围大约包括20项:加湿器、液晶屏幕、随身听、手电筒、地毯、电咖啡壶、电话、多士炉……
深泽直人在东京多摩艺术大学产品设计系担任讲师,同时出任东京AAD工作室的主管, 并且在日本顾问委员会的质量设计和经济部门, 以及贸易与工业战略设计研究学会供职。
深泽直人的设计在欧洲和美国赢得了40余个设计大奖,他曾为知名公司进行设计诸如苹果、爱普生、日立、 无印良品、NEC、耐克、 日本精工株式会社、夏普、 steelcase、 东芝...
代表作品:issey miyake twelve手表、Plusminuszero (±0)品牌8英寸电视、KDDI neon手机、Plusminuszero (±0) 品牌音像套件、Plusminuszero (±0)品牌加湿器、MUJI CD player、MUJI rice cooker、Personal skies、KDDI info.bar、KDDI Ishikoro、LED watch等...
苹果(APPLE)公司现任高级副总裁 乔纳森(Jornathan Ive)在一次访谈中也谈到其设计深受 深泽直人的影响,但是我们不能否认APPLE的许多产品,将深泽直人式的日本哲学与商业结合的更完美。

有谁能详细介绍下深泽直人的设计风格和作品

深泽直人是将直接知觉论应用和推广最多的代表人物之一,他主张将无意识的行动转化为可见之物。

深泽直人让人先哦再哇的好故事

深泽直人 Naoto Fukasawa
出生于1956年,日本山梨县人。1980年毕业于东京多摩美术大学产品设计系。毕业后在精工工作,1989年加入旧金山的IDEO,1996年回到日本的IDEO,2003年独立创建深泽直人设计公司,Plus Minus Zero品牌。他赢得了50个奖项,包括美国IDEA设计金奖,IF设计金奖,设计创新奖等等。

如原研哉所说产品设计师,必须要一直保持着对人和材料的关注,任何空闲时间都会花费在绘制下一个新的形状上,经常推敲身边的物件。在自己的潜意识和意识里种下各种源头。

了解技术和材料是产品设计师的创新源头,作者在精工时多次提到常逛的地方。

被削皮的土豆,成为作者的下图手机设计的灵感来源。 记下日常生活中有感觉的物和事,它将成为你设计的一个连接和背后的故事。

观察在人们的行为中,都会做的事情。 比如当许多人在同一个地方攀爬在一条陡峭的山路时,人们都会不自觉地抓住一些树枝和石头。这些树枝和石头因此也被磨得越来越光滑。 再比如在等车时提着的购物袋并不想放下,因为重新整理物品的顺序很麻烦,很多人包括我自己经常就会把雨伞拿来当做支撑。下图的雨伞把手上的一个小凹陷,可以非常容易的挂在上面。

左手拿着碗,右手拿着饭勺,用右手打开电饭煲的盖子;你把米饭盛入碗里,然后用拿着饭勺的右手关上电饭煲的盖子。这时手就经常停顿了(因为没有地方可以放下饭勺)。这个点就是一个连续行为过程停止的点。

人和事物之间的关系并不是稳定的。当一些新的东西出现在场景中时,它就会创建出一种全新的关系。我们的环境在不停地变化着,人们也在不停地寻找最有用的价值(功能)以适应每种新情况,可以称之为正在进行中的”行为“。通过探查周围的空间环境,应该存在于那里的东西就会自动进入我们的视最视野。 找到设计的轮廓,轮廓是由构成环境的方方面面的因素所决定的,包括人的情绪、行为、时间、光线和空气。
可以把物体看作拼图的一个小块儿,然后观察它的外边缘;或者我们可以看整个拼图,寻找能够被这个小块儿恰好填充的孔洞。

泡茶,冲开水到茶好喝时有一个意识或认知的切换,是不是可以喝了呢?而每个人的意识或认知的切换是不一样的,找到需要认知切换的地方,加以引导。

安东尼·格姆雷说深泽直人的作品散发着一种冷静而镇定的平静之感。“无意识设计”,作为一种设计理念,它的名字来自于深泽直人的工作坊项目,是对人们在无意识状态下会如何处理事情的探索。该理念是指作品必须具有“不需要思考就知道”的直觉。

深泽直人采用的是一种以人为中心的独特设计方法,他认为、物(或者空间),以及它们之间的关系必须要作为一个系统进行考虑,系统里的每个元素相对整体的位置都应该是和谐的。其结果就是,物有了目的感,同时还具有灵活的解释和效用的适应力。他专注于物和人之间的关系,这让他能够构建出隐含而可辩认的形式。

来自于心理学家James Gibson,指的是自然世界的属性,即提供给我们宏观秩序潜在的“意义”或“价值”。比如,一把椅子它具有坐的“可供性”。可供性不是“刺激”以产生反应或者反射(椅子不能迫使人坐下来),而是客观的度量,并且不受能力的影响。在设计心理学1里有讲到示能中,也对可供性进行了描述 http://www.jianshu.com/p/62643c830f68

R2.5,是通过人手触摸而形成的自然圆角

下面这台打印机的设计,作者发现,在确定正式的文档打印版本之前,人们通常会先打印出来,并且要对比至少两份副本,来确定并选出最好的那份,其余的就会被丢进垃圾桶。所以作者意识到,垃圾桶是打印之后紧接着就需要用到的东西,将这两个结合起来。

在苹果风(也是迪特·拉姆斯,包豪斯)等欧美设计大行其道的今天,设计风格趋同。不同于欧美“形式服从于功能”,“以人为中心”的设计思想,深泽直人的无意识、可供性、甚至无设计(设计是自然的,原本就存在的,设计师只是把它找到并呈现出来)这样理性与感性交织非常强烈的领域之中,他的设计交融了实用主义哲学、生态心理学、社会文化、新技术与新材料等等。他的设计有着明显日本文化的影子,但却也是世人所喜爱的,其原因在于他深刻的洞察了人、物和环境的关系。这种关系是普世的,他将这种普世的关系用简洁而富有变化的设计表达了出来,从而激发了大多数人们内心的触动而喜爱。

最后放上封面的产品,看了就知道装哪,好像阵阵风一样的把音乐带来。 好设计也要能讲出一个好故事!

日式传统美学:物哀、幽玄、侘寂

逢至年底,去到几个国内的休假之处,但凡挂钩了 “禅茶” 二字,便逃脱不了日式风。甚至一间原本朴拙的山野寺院,也摇身一变为 “唐宋遗韵”,弄得有种尴尬的违和感。看到这样的依瓢画葫芦,不禁想问,除了追求形似之外,我们还应理解并学习借鉴到什么?

日式美学小史

物哀、幽玄、侘寂

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在传统日式美学中,少不了中国文化的影子,但中国文人的清寂多少是在遇挫后才有闲情去拥抱自然;而在日本,你却可以轻易读到底层民间朴实并内敛的生活。因为自出生起,岛国人就与山、树、花、鸟、兽和溪水洋流,成为了紧密而温和的邻居。

▲ 京都清水寺始建于778年,十数年后,承载 “物哀” 这一美学意识的平安时代开始了

物哀,是微妙的感受力

日本平安时代(约794-1192年)的作家清少纳言,将京都山水、鱼虫草木、四季时令、宫廷服饰和琐碎世相都写进了《枕草子》。他用家常笔调说生活情趣:

春天是破晓的时候最好。渐渐发白的山顶,有点亮了起来,紫色云彩微细横在那里,这是很有意思的。

▲《枕草子》作者清少纳言画像

▲《源氏物语》和《枕草子》被称为平安时代文学双璧,都体现出 “对微妙意思的耽溺”

和《枕草子》齐名为平安时代文学双璧的《源氏物语》,则如日本国学家本居宣长评论的那样,是对周遭的人事和自然,怀抱有细敏微妙的感受力。

本居将这一特质提炼为 “物哀”,将日本文学的本质归纳为 “在于物哀”,这是 “物哀” 一词首次被提出。

▲ 能由外界而自然生发感情有所感触,就是知 “物哀” 的人

本居所指的 “哀” ,是人的各种情感,“凡高兴、有趣、愉快、可笑等”,都可称为 “哀”,所谓:心有所动,即知物哀。

后来日本美学博士大西克礼进一步完善了 “哀” 的意涵,他认为 “哀” 不仅是一种情感或心理,也是将 “静观” 从特定对象延宕至更广阔 “存在” 的能力。

▲ 俳圣松尾芭蕉写道:“鹳巢高,山风外樱花闹。” 这有感于自然律动而动笔记录,不也是物哀吗?

在美学框架下,“物哀” 并非三言两语能辩明。我们且将它视为一种感性:细节皆入五感,然后体悟、发现、由此及彼,并将各中情致掰开揉碎,又见优美、凄美甚至禁忌之美。所以每个发出的感叹词,也就是达成物哀的瞬间。

人们一般将《源氏物语》视为 “物哀” 的转型之作,从中摘录一段:雪中苍松翠竹,各有风姿,夜景异常清幽……即可见物哀。

源氏公子说:“四季风物之中,春天的樱花,秋天的红叶,都可赏心悦目。但冬夜明月照积雪之景,虽无彩色,却反而沁人心肺……” 也是物哀。

▲ 无论日本电影展现的年代是古或今,都擅长将故事植入田园牧歌的场景,自然是幕布,也是推进情绪的助力

物哀,作为一种专用名词和形容词,逐渐跳脱文学范畴,被看作是日本人所根深蒂固的一种精神状态。它与其他日式美学意识杂糅后,也频频现身于当下。

▲ 日本明月院,光影明暗间

幽玄,光影波动的不可言说

“美存在于物与物产生的阴翳波纹和明暗之中,夜明珠置于暗处方能放出光彩,宝石暴露于阳光之下则失去魅力,离开阴翳的作用,也就没有美。” 这里谷崎润一郎所说的 “阴翳”,便是幽玄。

▲ “幽玄” 最初用于传统歌论、能乐论中,包括具有宗教意味的假面悲剧,和世俗化的滑稽科白剧

在平安时代后的镰仓时代(约公元1185-1333),禅宗传入日本。它逐渐将美的感性深化为精神内在,并产生了 “幽玄” 的审美意识。因此,日本的美,不会一览无余。

大西克礼将 “幽玄” 总结为:收敛、隐蔽审美对象、微暗且朦胧、寂寥、深远而深刻、超自然性、飘忽不定、不可言说的情趣。而在 “幽玄” 的世界,以上关键词往往不独立显现,是相互融合的。

▲ 日本画《月下溪流图》中月的光华是由溪流来表现的

譬如,在日本水墨画中,常见隐秘与留白,用素简的笔墨勾勒浓重的氛围,更能驱动观者的想象力,并加入到与画者的共创之中。所以日本人画月,不画月亮本身,而画月光下的情境,以线条和光感烘托那轮不存在于画纸上、却高悬于画外之境的月亮。

▲ 画松林,则用木叶旁有层次的余白表现雾气缥缈

进入江户时代(约公元1603-1867)后,“幽玄” 一词便鲜少使用了,谷琦润一郎发明了 “阴翳”,他将日本人对幽暗、暧昧、朦胧的审美取向归纳于此。

▲ 日本传统民居都有障子门,外光经障子过滤,就减弱了室内光的强度。谷崎润一郎常站在障子门前,凝视那明亮却不炫目的纸面

按照作家的说法,日本居室的美,是完全依赖于 “阴翳” 的:无非在于间接的微弱光线,温和静寂而短暂的阳光……

▲ 枯枝中有岁月的痕迹、可见生命的蓬勃。这也是幽玄之后 “寂” 的美学

侘寂,陋旧和拙缺的独立

寂,最初体现于 “俳谐连歌” 这样的文体中。它的含义由浅入深,大致有三层:

▲ 古典俳谐喜欢描绘枯叶、古藤、阴雨、黄昏等寂色事物;镰仓、江户时代后,男式日常和服也日趋灰黑色;日本茶道鼻祖千利休的茶室更是黄黑色

第一,取汉字 “寂” 的本义,是 “寂静” 的意思。譬如,松尾芭蕉有俳句 “寂静啊,蝉声渗入岩石中”,这是听觉上的 “寂”。

▲ 金缮是残缺美的一种体现。 瑕疵让人跳出形式,有余地体会不足之处,不对称、不完整、以及使用感

第二,指向它语义中所包含的诸如 “粗野、残缺” 等因素。根据学者王向远的解释,“侘寂” 带有视觉上的意涵,是 “寂色”(语出松尾芭蕉),即 “陈旧的颜色”。

当以正面的眼光看待陈旧之色,那些带有 “磨损、黯淡、单调、清瘦” 的色彩,便具有了 “低调、含蓄、朴素、简洁、洒脱” 的气质,具备了简陋、拙缺之美。

▲ 在日本歌曲《夕颜》中,歌词这么唱到:风儿要走了,风儿要去哪里,谁也不知道

第三,更带哲学意味,是说人也需有 “侘寂” 的状态,不仅是远离声色犬马以保持对美纤细的感知力,也可以理解为心性的独立、自得、洒脱。独立于客观环境的制约,更独立于美的桎梏。

因为执着于美,就不能认清美的本质,会丧失本心。

▲ 在无常中瞥见每一个平凡当下的珍贵。正和歌歌人吉田兼好在《徒然草》中说的那样:如果化野的朝露不会消失,鸟部山头的青烟一直弥漫在天空,将是何等的索然无味!

不拘泥于美,才能在喧与寂、乐与苦、戏谑与严肃、幽默与寂寥之间自如转换。

如在见到枯草老木时想起生命的坚韧与时间沉淀;如在俳句吟唱死鱼、虫蚁时,达成了虚实、雅俗、老少、动静之间的平衡。

▲ 和歌那句 “寂静啊,蝉声渗入岩石中”,到底是在说 “动” 还是 “静” 呢?没有山林寂静,哪里听得出蝉声?

______

当下的日式美学,经过战争 、经济和时间的交错演绎,脱胎于日本传统审美,也杂糅了西方现代派的设计理念,仍旧表现出对日常、自然的关注。于是,“物哀”、“幽玄” 与 “侘寂”,在现代生活中找到了进路。

▲ 日本当下日用品器具的简约,是杂糅了 “美” 与 “功能性” 的朴素

器与物:寂的合理应用

关于美,揭开1920年代日本民艺运动的美学家柳宗悦这么评价:“美与单纯、健全有着很深的关系 ”。也是他,促使了一批传统手工艺得到关注与复兴,令传统美学从上层文化深入民间。

▲ “极其地方的、乡土的、民间的事物,却是自然而然涌现出来的无作为制品,其中蕴含了真正的美的法则。” ——柳宗悦

那些曾被职人赋予 “水墨、烟熏、复古” 等寂色的朴素器物,也因简洁实用而渗入日常,成为了现代生活美学的一部分。

▲ 在以 “和、敬、清、寂” 为要旨的日本茶道中,茶杯、茶壶、花器等相关器物也需遵从寂色原则,去传达拙朴之美与 “一期一会” 的诚意

而以柳宗理为代表的一批工业设计师,受西方设计思潮影响,使日本当下的日用家居器物兼具了传统审美和现代主义的设计理念。这种跳脱出器物既有形态,从实用功能出发进行设计的思路,不也是独立于审美本身的寂之美吗?

▲ 一位日本评论家说,日本美术容易把注意力集中到细节部分,比如植物的根部、刀的把柄、茶碗的表釉等等的细微部分,这正是脱胎于独立审美的思想

▲ 一把好的座椅在美之外,首先应该是符合人体工学的。图为深泽直人设计的广岛椅

如果将 ”东京杂货教父“ 小林和人对日用品的挑选法则视为是现代审美的演变,它也仍然是自然存在、可经岁月、机能出色并似曾相识的。

▲ 用原研哉的话来解释这 “自然存在”,就在于器物在日本家庭中的满足感常常落脚于 ”这样就好“

此外,日本家居器物还显露出设计者对合理利用资源的考量:以抑制、让步、退一步的海阔天空,面对长期被各类商品的自我意识所裹挟的消费者,输出 “世界合理价值” 等以理性态度利用资源的哲学。

▲ 日本的花道流派数千种,如今在日常生活中的应用更添新意

日本花道流派各有千秋,或脱胎于三大传统花道(池坊流、小原流和草月流)或受其影响,但对自然美的探索、对植物的纤细感受力,是不变的。

▲ 池坊流以立花、生花和自然花为代表作。该流派认为,当人们感受到静态植物的张力,便从花叶木的形态中获得了对自然的深层体悟

日本最大最古老的花道,是15世纪中后期形成的池坊流,它的兴起与佛教的传入密不可分。所以花道,即 “物哀” 的自然之道。这个流派将人对自然之美的认识投注于花材,让它们重现野趣,也表达自我本心。

▲ 小原流常使用盘状器皿,和石头、青苔等具幽玄色彩的物件

19世纪末小原云心创立小原流花道新样式,相比较以线条变化为主的传统插花,它的 “盛花” 更强调面的铺开方式。如今为大家所熟悉的使用水盘和剑山的插花方式,就起源于此。

▲ 在草月流看来,插花是色彩、线条、韵律、声音、绘画、音乐、雕刻等要素的集合

1927年,敕使河原苍风创立草月流,这个接收了西方审美意识的改革派也极力拥抱自然,但倡导脱离花形的束缚,并将蔬果等非花类材质也引入插花,使花道如同装置艺术。

▲ 现代性的日式插花是不讲求器皿、地点和花材本身的,而更看重的是插花者的心境与思绪

到了当下的日本,插花更是融入了日常,它不再是形式感至上的仪式,而成为一种表情达意的途径。不经意间,发现樱花开了,已是春日时节,于是动手插花,将这瞬间的感念投入到作品中去,这才是生活的艺术意义吧!

▲ 安藤忠雄设计的 “光之教堂”。自然的隐秘与庄严尽在光影交叠间

日式建筑,包括了庭院景观与建筑体本身,几乎是最能体现传统日式美学中 “物哀”、”幽玄“ 和 “侘寂” 三者合一的表达了。

▲ 12世纪,随着禅宗的传入,日本园林开始从既往的 “池泉庭园”,转向更适应本国地理条件的微缩式园林景观

▲ “枯山水” 用沙砾的线条表示水纹,是一张 “幽玄” 留白的山水画卷

超越了山、河、湖、溪的地理限制,枯山水以常青的树木、苔藓、沙、砾石为主要元素,借石为山峦,以沙喻作湖海,试图在规矩的方寸之地幻出千岩万壑。

这样的庭院景观中,有自然的幽玄与寂,建筑体亦是。“就地取材” 是日本设计师非常信奉的事,甚至还意图将建筑化解于自然环境中,让建筑消失。

▲ 安藤忠雄设计的小筱邸。清水混凝土的外立面十分简约,掩盖住丰富的内在,以光和影的互动,营造出幽玄之美

▲ 隈研吾设计的杭州美院民艺博物馆俯瞰图,建筑的整体走势与四围环境相和谐,屋顶的色调亦与周遭相称,融于草木之间

于是,现代建筑的精密与严谨,被 “物哀”、“幽玄”、“侘寂” 的日本传统审美意识加持,使得人们愿意思考建筑关系的本义。正如隈研吾所说:

“欲望让我们把建筑从周围环境中分割出来,我们忘记了建筑的本意是让人们容身,让我们居住得更舒服,而一味地将建筑当成 ‘物’,在其身上画满了各种符号,直至将我们自身淹没。”

▲ 好设计应该是 “外甬道有郊野之趣,内甬道有山麓之趣”,总之,建筑体不再是孤立不融环境的

人们对于居所建筑的要求,也尽可能希望通过设计和改建,使室内室外的空气流通气韵相融。所以,“将自然引入室内” 是常新的话题。

▲ 现代日式居所中的空间设计,也会照顾到自然、光影与留白

我们很难用一张图、一段文字去描摹清楚日式传统美学中的精髓奥义,也就更难单凭建筑体的设计构造与用材风格来判别美学上的达标。

因为作为审美对象,设计需要参照,也需要被孤立,就如同原研哉的那句话:自然存在,这样就好。

以上就是小编对于问题和相关问题的解答了,希望对你有用


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